第二篇 第一首原创曲诞生记
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还没正式开始作曲课，S老师就突然给我安排了一次作业：“你先写一写下面这几首曲子。”
我一脸茫然——可是我还不知道怎么作曲啊！看来，老师是想测试我有没有相关的基础知识。幸好之前看了宋大叔的视频！我赶紧重温了一遍当时看视频的笔记，看起来能直接应用上的就是a-a'-b-c的曲式结构、半终止/不完全终止/完全终止式这几点知识了。题目的第一句并不好听，我在钢琴上反复弹了几遍，搜肠刮肚几天，才好不容易把这几个简单的开头延续下去，勉强做成了曲子。硬着头皮交上去，得老师回复：“实属不易。”
第一节作曲课上，老师既没有打开教材，也没有从作曲的ABC开始讲，而是开门见山，直接拿起我憋出来的曲子进行点评。
首先是曲式方面，我对宋大叔所说的a-a'-b-c曲式的模仿，老师认为可行，在作曲起步阶段，每一个乐句，基本上是以四小节构成，整首曲子以4小节*4句=16小节构成。这种曲式便是最基础的起承转合模式，也称为四段式，其中每个乐句相当于一段。
具体到各乐句的关系上，题目作为a乐句，是整个乐曲的核心，必须充分分析和体会a的乐思，提取出乐句的主要元素，包括节奏、时值、音程关系等。
第二乐句a'则通过移位/重复/倒影等方式，延续a乐句的旋律。这种延续，常常是对a的完全或不完全重复。例如琵琶语第一乐句656，56765323，2353231，71756，第二乐句基本重复，仅把656改为35656。
以下是我弹的《琵琶语》：http://music.163.com/program/904481539/371098458?userid=371098458 (@网易云音乐)
事不过三。b作为第三乐句，则不能再继续a-a'的老路，而是要结合a乐句的关键元素，进行一定的创造，但这种创作不要背离整个旋律的大基调。
最后，c是结尾乐句，对前三乐句进行归纳和总结，并让旋律的流动自然回归到a乐句。也就是说，a乐句（第一乐句）决定了整个乐曲的基调和色彩。在纯粹原创、没有题目作为a乐句的乐曲中，a乐句往往就是创作者最初心有所动的那一两句旋律。就像琵琶语的第一乐句一样。我猜测，当林海在江南古镇的小桥流水旁，被琵琶的韵味所触动的那一刹，浮现心头的，也许就是这短短的656，56765323……
课后，老师布置了4道新的题目，要我按照课上讲的规律进行作曲。接下来的一个月时间，我的学习和练习都围绕着四段式写作。但是，在每一次的作业点评中，老师根据我的写作中出现的问题，逐步增加着新的知识点。
比如，要实现对a的准确把握，算清楚a中每个音之间的音程关系尤为重要——音程关系决定了音与音之间的关系和旋律的调性。如果一个以和谐音程构成的a，后面的a'中出现了增4度、小2度等不和谐音程，则会造成乐曲主题的偏离。从听众的角度，就会听到突兀的不和谐音。
音乐是平衡重复与变化的艺术。初学者如我，往往不知道如何在c乐句中兼顾变化与和谐职能。老师教的方法是，提取出a乐句的主要特征（例如弱起、前/后十六分音符、三连音、休止符的大量运用等），选择其中与乐曲调性符合的特征，进行突出展示和强调。
在计算音程关系的过程中，我常常感觉自己迷失于这种类似数学题一样的运算过程，失去了对韵律的灵感，好像自己在写八股文或解计算题。我有点担忧——音乐不是很讲究“感觉”的一门艺术吗，我这样，是不是与作曲的正途渐行渐远？
对此，老师告诉我，学习四段式这样的规律性的知识，是为了明白一种音乐思路是如何延续成一首完整的乐曲，这个过程，就如同一个不吐不快的观点被写成一篇汪洋恣肆的雄文。写作是文字的艺术，写作有写作的规律和语法。作曲是音乐的艺术，与此同理。初学者如果对语法一无所知，仅凭灵感驱使，很难成篇，因为灵感最多不过是三两个乐句，如何在重复、变化中形成丰富的音乐效果呢？——没有对作曲规律的了解，这个过程只会茫然无措。
但是，战术终究只是战术，运用之妙，存乎一心，写作规律是为了充分服务于创作者的灵感。好比巴赫、贝多芬的很多作品，如果细细分析，其核心仍然是很简单的音乐规律，但创作者通过丰富的巧妙的手法，把简单的乐思装扮成为动人心弦的成品乐曲。这些手法，离不开创作者的灵感，以及在大量积累基础上进行的个人创造。虽然要按写作规律完成曲目，但更重要的是写完以后品味整首作品的乐感和效果，实现艺术上的美感。
正如赵晓生先生在《传统作曲技法》一书的绪论中所说：“作曲需要情感与理念的结合、直觉与智慧的结合、灵悟与技艺的结合。诚然，作曲具有极高度的技艺性，但对于'作曲教程'的读者来说，最大的危险是由此而只见技艺而忘却直觉。原本的乐感，自然的灵性，发自内心深处的激情，是造就杰出音乐作品的根本。”
对此，我深以为然。“作曲家不仅是个卓越的工艺匠，而首先是一个有血有肉有灵有悟的艺术家，一个真正意义上的人。”这是我心向往之的目标。
第一个月的作曲课，我了解了基础的作曲规律，完成作业之余，我跃跃欲试要写出自己的第一首原创曲目来。第一首，当然要是琵琶曲。
于是，我像一个捻须老儒苦吟诗文一样，有空就寻找音乐灵感。
在一个初秋的灿烂的午后，属于我的第一个a乐句，突然的就点亮了我的脑海。它很简单，像一个乡村小姑娘一样纯朴羞涩，但我还是兴奋的把它记录了下来。接下来的延续也很快速的随之而至。第一稿写好以后，我试弹了一下，作了一些修改，让它显得更富于变化。接下来，如何用乐器把它呈现出来？
在此，我不得不补充一些我自学音乐制作的经历。一首曲子的曲谱完成后，传统的呈现方式，是以一种或多种乐器将它弹奏出来，录制成乐曲。这种方式，需要专业的演奏员、专业的录音环境、后期的效果处理和出品，而这些都是业余爱好者很难具备的条件。因此，许多电子化的音乐制作软件应运而生，从简单的手机app到复杂的专业软件不一而足。
此处我所说的音乐制作，指的正是用目前常见的编曲软件，模拟乐器乃至乐团的弹奏，制作出成品乐曲。这种乐曲，因其并非真实乐器演奏，常常被笼统的称为电子音乐。
我自学的是常见的编曲软件cubase。网络教程如江似海，软件出品方steinberg公司也发布了官方教程，但我搜索试看下来，其中体系比较完备、简单易懂的零基础教程还是七线阁出品的cubase教程，在七线阁论坛和一些视频网站都可以搜到。
要用cubase制作出一首曲子，最常用的基本操作包括录入音符或录制声音、编辑音符或音频、设置节拍节奏、挑选乐器、音效处理、调音混音等。如果要追求更丰富的视听效果，那就需要更多的精力去琢磨cubase软件强大的功能。而我为了简便快捷，主要采取了随用随学的办法，遇到想做的功能，就直接百度看别人怎么做。
在电脑上埋头苦干了四五天以后，我的第一首原创曲子终于在cubase上呈现出来了！
它是一首短短不足两分钟的小曲，轻快活泼，乐句简单。为了让乐曲听起来丰富，我全凭自己的喜好，七手八脚地选了好几种乐器，来演奏不同的段落：扬琴负责前奏，琵琶负责主旋律，曲笛用来做亮点，架子鼓负责背景节奏……当时的我，还不知道选择乐器的门道，完全不懂得乐器之间音色的配合、声音频率的分配等。而且，对声场的分配、声音的均衡等音效处理方面，我也全无概念。整个乐曲呈现的音乐效果可想而知。
可是，它的出生，已经让敝帚自珍的我喜不自胜，感到莫大的成就感和满足感，哪里还注意得到这只是一个再稚嫩不过的小作品呢。
这时，我才发现，我竟然还没有给它取一个名字。越是看重之事，往往越难以举重若轻。我思前想后，似乎什么名字都不够合适，最后索性就命名为“1”吧！
一生二，二生三，三生万物。“1”是一切的开始，我希望这第一首作品，能成为我音乐之路真正的起点。
分享程书徽的单曲《1》http://music.163.com/song/508039508?userid=371098458 (@网易云音乐)
下篇预告：
终于要跳出四段式了！离开a-a-'b-c，该怎么写才能写出像梁祝那样一听就不明觉厉的作品呢？
我做出了第二首单曲，可是，竟然只用了两种乐器？
第三篇 从四段式走上新的台阶
