昨晚，纪念马可先生百年诞辰系列活动之一【“为人民而歌——马可歌曲大家唱”】音乐会在中国音乐学院国音堂开幕。我参演了其中的两个节目，然而这两个节目截然不同的形式值得比较和思考。
开场曲《南泥湾印象》，以传统的吹打乐组合形式为主，并借鉴王丹红《永远的山丹丹》的舞台布置，完成了此曲。虽人数有限，但气势还算恢弘。唢呐和笙分布在国音堂舞台两侧的二楼观众席，打击乐在舞台正中央。但是，其中仍有些许值得思考的问题，但仅仅为个人拙见：
1、吹打乐中缺少笛子；2、高音键笙应改为传统笙；3、吹与打的位置受到场地的音响作用，因此无论是两侧的吹管之间，亦或是吹管与打击乐之间，总会出现“互相听不清”的状况，因此影响了整首乐曲的契合度。
第六个节目《DJ MARK》，形式为电子音乐说唱与民族室内乐。此曲将马可先生其中最具代表性的作品之四结合，进行了舞台呈现。
可以从节目单中看到，这首电子音乐作品将电子音乐、Rap以及三件具有代表性的民族乐器融合到一起，进行整首曲目的编创。我的直观感受——很有趣。两位音乐科技系-电子音乐方向的大三学妹，能够想到将民乐与电子音乐结合到一起，已实为难得。当然，其中会存在一些不完满，例如，由于整首作品都是“嗨”的方向，且唢呐和rap处于大量互动状态，因此二胡和琵琶以“坐拉”“坐弹”的形式演奏，会些许“呆板”。我认为，若想搞“新”一些，就要尽力新得原汁原味。
为何我由这两个节目想到了“传承与创新”这个被“嚼烂了”的话题？原因有：
1、在组合方式上，传统的吹打组合、现代的电子音乐·民乐的组合，前者传承更为凸显，后者创新更为突出。二者哪个更为成熟，哪个受众度更广泛，则涉及到以下两个原因——
2、在演奏作品上，两首改编的作品，均在传承马可先生的旋律主题的基础上进行了“细微”与“大胆”的创新。传承与创新的结果如何，就涉及到了以下第三个原因——
3、在听众审美上，通过一些小视频，我特意关注了台下听众的反应。我察觉到，小孩子对于这种新形式，尤其是电子音乐与民乐的结合，产生了极大的兴趣，并按捺不住地鼓掌，而一些中年群体的脸庞则表现出些许无奈，鼓掌也只是完成礼貌性的礼节而已。
每场音乐会都具争议，从我的微信朋友圈来看，有人欢喜有人怨。部分人还是接受这种新的形式，与此同时，部分人发表了“经典是不可被逾越的”看法。这“冰火两重天”是否值得反思？到底是哪里出了问题？作曲家？演奏者？还是听众的审美水准？
我认为，尤其是这个时代，当然需要创新，但是前提依旧是传承，若创新得“太离谱”，或演唱演奏得太“呆若木鸡”，则是失败的创新。因此，创新的重任不仅在作曲家，更在演奏者。所谓“没有差的作曲家，只有差的演奏者”则为此意吧。“音乐感觉”对于一个演奏者来说极为重要，如何诠释与呈现一首创编或创作的音乐作品，需要演奏者的理性分析与感性体悟的有机融合，需要演奏者一定程度上的二度创作甚至三度创作。然而，太多的演奏者过于依赖作曲者的意图，因此总是局限在谱面上，而丧失了个人感觉。因此，作为演奏者，我也许对演奏者的追求更为苛刻，作为演奏者的角度，我认为演奏者对乐曲的处理不亚于作曲家对于乐曲的创作与解读。同一首作品（无论好坏），不同的演奏者会呈现不同的演奏状态与处理方式以及整体感觉，孰好孰坏，自有比较。这时，就不仅仅是乐曲的好坏问题了。
