什么是艺术家？德艺双馨？天真烂漫？
NoNo……这样的描述可不真,不real！
伟大的艺术家，是能隐形于市的劳作者，是穷其生命的追寻者，是时代的定格者。他们一生逐波不靠浆，赤手空拳全靠浪。伟大艺术平凡且历练，宛如“ 浮 世 ”一般。
没错！“ 浮世 ”的意思是虚无缥缈的人世，人生如此虚无，何不及时行乐？所以当初的浮世绘艺术当中70%的都是春画！
这些春画有的含蓄，有的露骨…总之都让人羞羞的。
But，浮世绘的独特技法，却深深影响了西方印象主义。
莫奈就曾让老婆cos了一下和风🤭🤭。
梵高曾公开表示临摹了好几次， 并声称：浮世绘就是我的信仰！
“印象主义”音乐的鼻祖——法国音乐家德布希的代表作《大海》，灵感也来源于浮世绘派系的一幅海浪图。
甚至前面提及的“大迷弟”梵高也曾参考这幅画 ，后来世人对梵高的《星空》与《神奈川冲浪里》再次解读将两者结合在一起，契合度那是相当之高。
这张神秘画作，如今已成为日本艺术和文化缩影，但它根本不算典型的日本风格。
这是一幅横跨东西两个文化的画作，即使在今天，影响从未减弱。这场现代艺术的“巨浪”影响者到底是谁？
浮世绘是指日本的“木版画锦绘”，是一种诞生并流行于16－19世纪中叶（江户时代）的绘画风格，当时的日本正处于锁国时代。这种绘画主要以百姓生活、风景以及人气演员和相扑力士等为题材。16世纪中叶以后，通过木版技术得到量产，使得人们在生活中可以轻松欣赏到这种艺术，就好像现在的杂志似的。19世纪中叶以后，在浮世绘的影响下，一种叫做“日本主义”的独特艺术风格风靡了以法国绘画界为主的欧洲各地，包括上面提到的莫奈、梵高、洛特雷克、雷诺阿、德加等大师都留下了受到浮世绘影响的名画。
今天，我讲的就是浮世绘里面影响最深远的《神奈川冲浪里》，以及他的作者，浮世绘三杰之一的：
葛饰北斋1760年-1849年
被誉为日本现代艺术之父的他，作为名副其实的大师，葛饰北斋不仅穷，还爱浪，而且出名特别晚。
他绘制的日版水浒传与西游记的插图不仅还原度极高，还推动中国文化进入日本，更是对于日式老传统刺青起到了极其深远的影响。
但是这么一位大师却一直声称自己不是什么画家。
江户时代（1603-1867，又称德川时代）浮世绘画家葛饰北斋，如今是享誉世界的日本顶级艺术家之一，日本内外举办过大量相关展览，关于他的研究论文、新发现也快速进展。为了纪念其逝世170年，东京六本木的森美术馆举办了一场盛大的的《新·北斋》作品展。展出把葛饰北斋的人生与作画演变分为6个部分，展品数量达480件，包含初次公开的作品、近年新发现的作品以及北斋研究者永田生慈（Seiji Nagata）的珍贵私人收藏等，被昵称“Great Wave”的《富岳三十六景》之“神奈川冲浪里”，促成19世纪欧洲流行日本主义契机的《北斋漫画》等广为人知，然而实际上，这些作品仅仅是葛饰北斋七十年绘画生涯的开始。
少年时期，他在版画室当学徒，天分极高的他迅速脱颖而出。
先师从胜川春章学工笔，后又跟随俵屋宗理学写意，继承老师的名号，还顺便进修了中国画和西洋画的精髓。
照理来说如此绘画天才，想发家致富应该很容易！可葛饰北斋不愿意抱师父大腿一心想创出自己的独创风格。
离开了胜川师门后，北斋的生活就陷入动荡，据说他一生搬家93次，还改了30次名字：他叫过“铁棒滑滑、天狗堂热铁、穿山甲”...
全心投入画作时又自称：画狂老人卍
（以上名称均来源于真实历史资料）
资料称：北斋是后来因为生活所迫，实在太穷了。1798 年，不得以将把“宗理”名号转卖给他人，以此换点冠名费来维持生活。
自己改名为“北斋辰政”。七年后，最终改为“葛饰北斋”，这一年他 46 岁。直到50岁，他才形成自己的风格。
“从6岁起，我就有办法复制事物的形状。从50岁起，我创作了许多画作，但是70岁以前的作品其实都不值一提。在73岁时，我对动物、鸟类、昆虫、鱼类、植物的组织充满灵感。——葛饰北斋
葛饰北斋浪了一辈子，将世俗风情，人生百态，都当作自己画画的题材。
他曾说：“活了90岁，什么都能画。”这一点他的“迷弟”梵高和他很像！据说其作品数量超过3万件，谈论其作品风格时，北斋优异的“设计性”引起了艺术界广泛关注。
例如，他的代表连环版画《富岳三十六景》中描绘了从日本的风景名胜眺望到的富士山，但如果实际去画作中的地点，却未必能看到和作品中一样的富士山。北斋是将自己看到的情景记在脑子里，将绘画的元素分解开，然后在绘图中重新完成布局。
例如《富岳三十六景》系列中的《尾州不二见原》中，在一个很大的圆桶中描绘了一个小小三角形的富士山，这种充满几何学味道的风格即使从现代人的眼光来看，也能找到属于近代美术的全新感觉。然而，从这幅绘画所描绘的地区（现爱知县名古屋市中区）却无法看到富士山。这是北斋的“创作”，同时也是他的“设计”。
这幅《富岳三十六景·神奈川冲浪里》是各种类型“和风”专辑里的常驻代表，最近频繁出现在服装印花上，险些造成审美疲劳。与这幅画一起，常为世人熟知的还有以下这一幅：
这两幅画都出自日本浮世绘写实派画师葛饰北斋（1760~1849）之手。葛饰北斋是一位并具天赋与狂气的画师，他的创作能力强，画风自由，年青时代曾投过几家师门，但却没有任何画派的画风能够束缚他对浮世绘的热情与绘画风格。
北斋与日本主义 — HOKUSAI 对西方的冲击是艺术节一直津津乐道的话题。
19 世纪后半叶，日本美术在西方受到关注，引发了被称为“日本主义”的风潮，其中得到特别重视的是日本江户时代晚期著名浮世绘画家葛饰北斋。因此，他成为了入选“一千年间影响世界的一百位名人”评选中的唯一一位日本人。北斋一生创作了3万多幅作品，也是葛饰派的创始人。他的绘画风格对后来的欧洲画坛影响之巨大，引领了一个时代，也开拓了一个新世界。可以说，葛饰北斋是西方现代艺术观看方式的启蒙者。
本展展出了大量北斋的经典之作，尤其着重展示那些对欧洲美术产生深远影响的作品。包括上面介绍的《神奈川冲浪里》《凯风快晴》《富岳三十六景》系列等。此外，一部分受到北斋影响的欧洲画家的作品将于北斋的画作进行对比展出。
很多人熟悉浮世绘往往是从北斋的作品开始，毕竟他所创作的风景组画《富岳三十六景》的造诣之高众所周知。《富岳三十六景》是浮世绘中的天才之作，包括《神奈川冲浪里》、《山下骤雨》以及《和煦南风晴朗日》这些为世人熟知的作品在内，以富士山的自然变化为背景的三十六景，不断变换角度，所得画作令人惊叹。
尽管当时北斋的名号已经打响，他却始终不认可自己的画家身份，74岁那年，他曾感叹自己没什么天分：
“说实在的，我70岁前画过的东西都不怎么样，也不值一提，我想我还得继续努力在100岁时才能画出一些比较了不起的东西”。——葛饰北斋
他一生追求绘画的最高境界，临死前，他还念念不忘地说：“我多么希望自己还能再多活五年这样子我才有时间尝试成为一个真正的画家。”
成名是因为孙子败家。
一生坎坷的葛饰北斋，70岁时他的妻子去世，而他打算退休养老，谁知道家里的熊孙子赌博输光了家产，一家老小只能躲进破庙，逼得他只能重操旧业。
给老家画一套以富士山为主背景的旅游明信片，这才有了《富岳三十六景》也这才有了《神奈川冲浪里》。
一幅绝迹于世的画作为何年旧不衰？
这副画作究竟牛在什么地方？我们先谈谈历史背景，19世纪前期，日本国内观光兴起，城市居民常打着朝圣宗教的名义参观日本各地的风景。所以这副作品不过是旅游地的一个周边。
为了取得竞争优势，北斋和出版商的宣传主力是一种新进口的不易褪色的颜料，将《三十六景》打造成这种新颜料（普鲁士蓝）热潮的一部分。这可能是最早的代言，与艺术家联名了。
普鲁士蓝（又名宝蓝色）。接下来仔细看这幅画，在于它的构图很西方，一系列圆和三角构成画面，源自典型的西洋几何学。
其次画作层次折叠，原本处在远眺位置的看画者，会忽然被置换到浪潮之下透出要被巨浪吞噬的危机感，如此构图复杂，葛饰北斋却是几乎不假思索、一气呵成的。
最后出色是他海浪笔法，他本能地知道海浪的碎形结构，浪潮于末端碎裂的形状，几乎能与电脑分析出来的相媲美，而碎形理论，要在他150年后，才被人提出。
静态画面的巨大动势，画面上被梵高喻为“鹫爪”的惊涛骇浪激起飞沫，即将吞噬三艘船。
波涛中载浮载沉的小舟，是房总地区（现在的千叶县）用来运送新鲜鱼货的运输船。
远方的富士山乍看之下，仿佛是另一波海浪，北斋把视点降低，把描写的主要对象——浪涛安置在画面的主要位置，占据画面的绝大部分面积，像是悬浮在半空中的魔爪，造成了压迫感。
天空数倍于海面的构图与十七世纪荷兰海景画十分相似。看似静态的画面中却蕴含着巨大的动势。
关于它的名字，很多人都误解了。很多朋友喜欢称之为“巨浪”，《神奈川冲浪里》的英文名是“The Great Wave”，相信很多人对于这个名字都会理解成“在神奈川冲浪”吧？
然而，日语的分词应为：神奈川冲 - 浪里 （看画的题字）
“冲” 在日文中指远离岸边的深水区域。为什么是“神奈川冲”？因为在地理位置，那里可以清晰的看到日本的象征——富士山 。
为什么是“浪里”？因为这是一个省略，是“船在浪里” 。
所以这个名字预示了画面的三个重要因素：富士山（日本的象征），大浪（自然），船（人）。日本哲学所追求人和自然的和谐，以及日本的重要象征，在一幅画里面齐备了。
1849 年新年伊始，葛饰北斋抱病创作了他的最后一幅作品绝笔：《富士越龙》，画面上墨色浓重显得有些阴冷，可能也表达了他此时的心境。
三个月后，葛饰北斋在位于浅草圣天町遍照院的家中去世，享年 90 岁，当时的画号是“画狂老人”。
虽未达到自己所期望的 100 岁而达到艺术的至高境界，但他在绘画艺术上的成就，毫无疑问是举世瞩目的。
关于葛饰北斋的后代，据相关资料的调查：葛饰北斋有位很有才华的女儿，叫做葛饰应为。而她的名字中的“应为”两字，看起来似乎很高端，实际上却是父亲北斋马马虎虎取出来的。
葛饰应为人称阿荣。“天似乎烧了起来，那颜色既不是朝阳，也不是夕阳。”——这是阿荣在观看被火灾映红的天空时心里的感觉。似乎也暗示了日后她在光影绘画方面的造诣。然而会使阿荣最终掌握绘画中光影技巧的起因，却是善次郎带她看了在夜色中繁华喧嚣的歌舞伎表演，这也成为了其在芳华逝去后，领悟出人间情爱与红尘寂寥的直接诱因。
阿荣的母亲去世，善次郎与艺伎同居，两人在河边不期而遇，阿荣忍不住伸手去摸善次郎的脸，善次郎也伸手抚摸阿荣的脸颊，两人对视良久，阿荣泪流满面，眼里的深情呼之欲出。两人是同行，从小一起长大，彼此敬重又互相仰慕，此时的情感混杂了太多情愫，已非简单的男女之爱，似乎只可意会，无法言明。
善次郎在火灾中失踪，阿荣在流露出片刻惊慌与担忧之后，马上留恋在火光冲天的美感中——那是不同于朝霞与晚霞的色彩啊！而多年后的重逢，也平淡到像是从来没有失散过。善次郎总是主动去找阿荣，而阿荣唯一一次去找善次郎，是父亲告诉她，善次郎要出殡了。她毫不知情，在巨大悲伤感的驱使下，她奔向善次郎的居所，但最终却只是淡淡地说了句：永别了，善。
“如果可以变成鹞鹰或乌鸦，好想飞到你的身边”云淡风轻，一切却深藏心底。
阿荣在所有亲人离世时，都表现得极为克制，但当看到90岁高龄的葛饰北斋画出惊人的《富士越龙图》时，她浑身颤抖，额头暴起青筋，眼泪忍不住地流淌下来，毫不克制，也无法克制。
对艺术的忠诚，对画技的渴望，对意境的无限追求，这才是自号“葛饰醉女”的阿荣的一生挚爱吧？这让人不由想起《致青春》里的经典台词——“我们都应该感到惭愧，我们都爱自己胜过爱爱情。”怪不得北野武说：所有的艺术家都是自私鬼，他们根本不在乎周围人的死活。
永别了，茫茫尘世中的，我的，光。
晚年的阿荣，借住在弟弟家里，仍旧去吉原观察那些形形色色的男人和女人，依旧追着心中的那道光不停的扑火。
有许多人认为，阿荣是北斋晚年时候的代笔，但也有同样多的人坚信阿荣的笔法仍旧幼稚，不可能替北斋作画。
但我认为，阿荣就是阿荣。
她是不是北斋的女儿并不重要。重要的是，她的一生追随着艺术，追随着技艺。她留给我们的，不仅仅是关于父女之间的这个传说，更是一幅幅的名画。
光与影，表与里，都是相互的，都是互相成就的。
愿我一生如影，伴在光的身边。我的使命，便是让光更加炫目。
这大约，便是阿荣的选择了。
葛饰应为最终成为一名浮世绘师，还具有“女北斋”称号。她的笔下最擅长用女性的角及细致笔法来描绘当时的江户时代。
通过她的众多的作品不难看的出来她的画笔是什么样的。她虽然比不上那个父亲出名，但是也在一定程度上影响了日本的绘画。
往事总会随着时间被人淡淡的遗忘，葛饰北斋虽与孤独为伍，但他用细心与热情拥抱生活。
对于北斋晚年来说，想象力日益衰退，亲人的离去，是悲惨的。但他仍然倔强的坚持创作，虽然他生前则没有什么奇情溢彩的生活，唯一所做的就是画画，传闻他一生中曾画了3万5千副画作。
我想，谦卑、好学、勤奋、热情、再加上对于追求梦想的天赋才能让葛饰北斋的艺术创作变得灿烂如星辰。
所以，他的“巨浪”《富岳三十六景·神奈川冲浪里》到现在，也是无处不在。
在森美术馆的新北斋展中除了展出版画之外，还展出被人们称为漫画起源的《北斋漫画》，以及记录上一百几十种用于设计和服布料图案的“型纸”的《新形小纹帐》等。在这里，我们浸在北斋的世界中，感受他精致的画作和诙谐有趣的画风，不由流连忘返。
关于日本的浮世绘艺术
浮世绘原本是面向大众而生，具有平易近人的特性。关于浮世绘中风景画创作，葛饰北斋不是第一人。在日本，浮世绘历史上除了葛饰北斋，还有五位画家同样有着非比寻常的重要地位——铃木春信（Suzuki Harunobu）、鸟居清长（Torii Kiyonaga）、喜多川歌磨（Kitagawa Utamaro）、东洲斋写乐（Toshusai Sharaku）、与歌川广重（Utagawa Hiroshige）。不仅如此，浮世绘在日本国外亦受到欢迎，世界各地都由藏品存在，可见其中含有跨文化、跨地区的价值。世界各大博物馆和日本多家私人博物馆都藏有浮世绘珍品，也不定期有浮世绘作品巡展，意在将浮世绘魅力的精髓传承并发扬。
鲁迅先生在1934年给日本友人山本初枝的书筒里写道：“关于日本的浮世绘师，我年轻时喜欢的是北斋，现在则喜欢广重，其次则为歌麿的人物。”接着他又说，“不过依我看，适合中国人一般眼光的，恐怕还是北斋。”由此可见鲁迅先生对北斋的浮世绘的推崇。
“浮世绘”是日本江户时代兴起的一种反映世俗生活的绘画或者版画，是日本一枝独特的民族艺术奇葩。“浮世绘”的种类包括有画家亲笔所作的绘画和水印木板画两种。浮世绘变现的内容多为当时普通的百姓和武士的生活，戏曲人物以及风景名胜。它与歌舞伎、相扑一起被称为“江户三绝”，后来被誉为日本的国粹。
“浮世”一词是受汉语影响而出现的日语词汇。其意暗含佛教的厌世思想。形容人生充满烦恼和苦闷，人世的虚无缥缈，意即此岸、俗世或尘世。在江户时代，作为对厌世思想的叛逆，该词在日语中逐渐演变成为享受生活，沉醉于歌舞和爱情，追求时尚的意思。
“浮世绘”的字面意思是“虚浮世界的绘画”，所以一般就被理解为是关于尘世风俗的绘画，类似于中国《清明上河图》那样的市井风俗画。其实，“浮世绘”是一个绘画艺术的专有名词，尤其特定的内涵和外延。
早期的浮世绘画师有铃木春信（1725~1770），其作品多以美人画为主，他所刻画的美人总给人以一种梦幻般的感觉，因此在日本风靡了二十年。他是“锦绘”的创始者，“锦绘”即将十种以上的色彩，多次套印，使得版画的色彩丰富绚丽，犹如织锦一般，故称之为“锦绘”。
在铃木春信之后，几乎与葛饰北斋同时代的，又有两位画师，其一为鸟居清长（1752~1815），其一为喜多川歌麿（1753~1806）。这两位画师都以美人画闻名。鸟居清长将铃木春信的梦幻式少女形象加以改良，创造出了写实的“清长美人”。这种画风对许多画师都产生了深远影响，喜多川歌麿也是其中之一。
喜多川歌麿是浮世绘天才，尤以美人大首绘著称于世，《姿见七人化妆》表达了女子对镜梳理整齐繁复的发髻时的情景。
秀鼻蛾眉，运线工丽柔畅，简约精炼，尤其是女人的颈前，予人以酥美之感受。
喜多川歌麿擅长描绘人物上半身，将人物的面部表情刻画到位，同时又以写实手法去表现现实世界，因此开创了个人风格，堪称日本美人画的泰斗。
另一位颇具特色的画师是东洲斋写乐（出生年月不详）。这是一位戏剧任务画的巨匠，作品跳出美人画的圈子，专注于创作富有魅力、夸大表情特征的戏剧演员头像作品。写乐的个性不仅表现在其作品里，还贯彻到了其生活中。他是一位身世不明的神秘画师，在宽政六年至七年（1794~1795）短短的十个月内就发表了一百四十多幅版画。但是，在此之前，他却是默默无闻的。而在此之后，他却销声匿迹。他的作品在当时并不受到欢迎，可能是其销声匿迹的原因之一。有些浮世绘研究者认为其并不是一个人，而是一个群体，也有学者认为他可能是当时显贵。
同时，东洲斋写乐也是役者绘杰出代表，被誉为世界级的肖像画大师，他刻意地对歌舞伎演员进行再创造的塑绘，画面中呈现的是一种画师试图把胸腔中的热情和敏锐的观察具现化的震撼力。
在葛饰北斋之后，又有一名为人熟知的画师，即歌川广重（1797~1858）。他在早年拜师学习过美人画和演员画，但后来又受葛饰北斋的影响学习风景画。他出版的《东海道上的五十三个驿站》系列画，是风景版画的名作。他还创作了《木曾海岛上的六十九个驿站》、《江户名胜百景》等以日本各地风景名胜为题材的系列画，其名望甚至漂洋过海，就连莫奈、梵高等人都临摹过其作品。
《东海道五十三次》是一组新鲜的旅行风俗画，此系列作品在当时的江户引起轰动，是广重的成名作。广重以不动声色的人物细节来表达情感的细节，同时衬托出景色的美或孤独。
歌川广重被誉为梵高导师，而此幅画被誉为歌川广重毕生之最高杰作。夕阳西下，满月将升，近景是泛舟筏于奈良井川之上的人。不远处秋风吹拂、树枝摇曳、芦苇荡漾。自然和人文被完美调和，诗情画意跃然纸上。
以上六位，被称为日本“浮世绘六大家”，其作品最为世人熟知。另外的浮世绘作家，则有胜川春潮、歌川丰国等等。
作为国之瑰宝，日本对浮世绘的传承一直没有停滞过。二十世纪，依然有很多优秀的浮世绘画家涌现出来。
它，源自中国古代仕女图，在日本大放异彩，成为喜闻乐见的民间艺术。传到欧洲，直接引发了欧洲美术的革命。
这就是 “ 浮 世 绘 ”——日本最具代表性的艺术。
其静谧之美影响了印象派；
精到之美影响了平面设计；
简约之美影响了建筑设计；
暴烈之美影响了武士电影和热血漫画！
浮世绘独特的美学更让莫奈、马奈、梵高、高更、德加、鲁迅等大师极为痴迷。
如果还想更加清楚地了解日本浮世绘艺术，就请：拨冗亲临六本木森塔52层的森美术馆一睹大师的作品和东京的夜景吧。
以及，浪的解构。
