原文于2017年8月7日发表在sport.ru：Spinning to music: A few recipes from Yuzuru Hanyu and Shoma Uno

作者：Mikhail Lopatin   翻译：@白鲸号

【译注】Mikhail Lopatin于2011年获得莫斯科柴可夫斯基音乐学院音乐学博士学位并任教，之后于哈佛大学意大利文艺复兴中心及牛津大学圣休学院从事访问学者工作，热爱花样滑冰特别是宇野昌磨选手。本文获得作者同意翻译并发布，严禁非声明原创转载。

在这篇文章中，我想通过大部分来自羽生结弦和宇野昌磨的近期比赛节目，分享一些关于编舞和音乐之间关系的思考。他们节目内在的音乐性想必很多人已经注意到了，但对于构成音乐性具体细节的研究并不多见。像《肖邦叙事曲第一号》（羽生结弦）、《拉赫曼尼诺夫E小调挽歌》（陈伟群）、《等爱的女人》（宇野昌磨）等节目，让动作与音乐结合得如此自然的秘密是什么？在这些节目中，音乐仿佛是为了节目而度身创作的，而不是根据音乐来编排的节目。

我们也许可以通过对于旋转的进一步研究而找到一些答案。由于选手必须完成的圈数和姿态，旋转是相对固化的动作，在短节目和自由滑当中又必须重复三次，所以在节目中占据了很大的比重。而且旋转中选手只能够保持一种动作（旋转），它的单一性就决定了旋转动作更难被编排到节目和伴奏中去——难于步法编排，因为步法更加多样化方向也更多变；也难于跳跃编排，因为跳跃具有更多的动态潜能而用时也更短。实际上，你可以在大量现代节目中清晰地听到这种难处：比如说旋转经常超出音乐的休止时间或与音乐的乐句和旋律结构不能吻合；音乐有时还会在旋转的进行当中很奇怪地停顿，诸如此类不胜枚举。有时花费大量努力和想象也只能保证一个旋转能够契合音乐，更别提全部三个了。但如果能够将旋转与音乐同步，将会有利于创造出内在的音乐性和我在开头提到的那种“自然”的感觉。我们来看一些例子：

编排旋转最简单有效的方法之一就是在音乐改变的时候开始进入旋转，当然如果新的乐段本身的内容与选手的旋转动作相似就更好了。下面两个例子来自陈伟群2014索契冬奥会短节目（《拉赫曼尼诺夫E小调挽歌》燕式旋转）以及宇野昌磨2010-11赛季的《Tzigane》(燕式旋转，2010日本全国青年花滑比赛）。

这两个例子中，旋转都以音乐的戏剧性变化开始，而且旋转动作本身又与新乐句的旋律型相契合。比如说，宇野昌磨《Tzigane》中的旋转动作就与钢琴弹奏的颤音完美同步。颤音随后降了一个八度，而这个降调又跟旋转里的换足动作相吻合。在陈伟群的《挽歌》节目中旋律动态更加复杂一些，但也有着那种与旋转动作能够良好契合的“圆形”形态（旋律不停地循环流动）。这两个例子揭示了让旋转看起来更合乐的两个重要标准：第一，旋转的节奏必须与音乐的节奏完美同步（Shoma的例子）；第二，如果音乐本身的旋律也具有“圆形”（循环）的形态，旋转与之结合得就会更好。此外，选手需要利用变换姿势、身体起伏或者用手臂和手部动作强调音乐重音等方式，在旋转中去精准地配合旋律的动态和重音。换句话说，节奏和旋律标准对于让旋转（以及观众对于旋转的感知）更加“自然”和“流畅”具有同等的重要性。

节奏

以羽生结弦2014年索契冬奥会自由滑节目《罗密欧与朱丽叶》的第一个联合旋转FCCoSp为例：首先，随着骤变的音乐开始旋转，整个旋转动作是伴着一首宏大的八小节赞美诗而进行的。从旋律型上来看，这段音乐与旋转动作并无共同之处，但二者在节奏上却紧密相关。赞美诗的八个小节由八个不同的和弦交替构成。这个旋转中基础动作自然要少许多：一个燕式旋转（#1）然后是甜甜圈转（#3），接着是一个蹲踞式旋转（#5）和贝尔曼旋转（#7）。然而羽生选手却在这些动作中做出了变动，最终让他能够“填满”这段赞美诗的每一个小节（见下图），而且他的姿态变化也与音乐的变化和谐地同步了。

谈到音乐与编舞的高度契合，就不得不提到宇野昌磨最纯熟巧妙的节目之一《等爱的女人》。就像Tatyana Tarasova所说，编舞音乐表现得太好了，以至于感觉这段音乐仿佛就是为了Shoma的节目度身创作的一样。一个能够体现这种表现力的简单例子就是Shoma的蹲踞式旋转CSSp：

旋转中的两个动作契合了两个相似的乐句，而两个动作间的换足也与乐句间的转换同步。甚至旋律走向也很可能跟Shoma在旋转中的动向相关：先是在他站起身换足时上升，然后在他做第二个蹲踞时下降。

有趣的是，2017-18赛季《冬》里面的蹲踞式旋转也与维瓦尔第的音乐以相似的方式结合了起来。

同样地，旋转被编排在两个紧密关联的乐句上，它们实际上是一个简短的旋律以及和声模进（[译注]模进亦称移位，是将歌曲的主题旋律或其他乐句的旋律、乐节、乐汇等作每一次高度不同的重复出现的作曲手法）。旋转中的两个姿态强调了两个乐句，旋转和音乐的转换也在同时发生。而让这个旋转更加精彩的原因在于编舞师做了一些音乐上的编辑，在第一个乐句加了一个反复（多了一拍）从而Shoma可以更加从容地完成第一个动作的所有旋转，然后与音乐同步换足。

我们可以看到为了让这个旋转看起来（听起来）更加自然流畅，在编舞上付出了多少的努力和思考。

这部分的最后一个例子选自羽生的《叙一》：

在这个节目中，燕式旋转是根据肖邦原曲中的泛音变化和旋律重音来编排的。

羽生选手的手臂在表现音乐的精妙之处是起了很大作用的，特别是这个旋转的末段（上图第5个姿势），他举起左手臂与旋律的最高音契合。

旋律走向与旋转

在刚才最后一个例子中我们可以清晰地看到，编入旋转的契机并不仅限于旋转与音乐上的简单合拍。旋律上的契机也同样可以考虑：手臂与旋转的姿势也可以与旋律走向及重音相互呼应。

宇野昌磨2014-15赛季的节目《第九小提琴奏鸣曲》，在贝多芬第一个乐章的开端部分进入第一个旋转（CSSP）：

缓慢的节奏而并不规则的和弦变化让这个旋转很难合乐，因此重心就放在了小提琴部分的旋律走向契合上，而不是节奏同步上。 

第一个姿势由落在前两个音符的跳进开始，从这之后，动作编排精确到了小提琴的每一个音符：一个燕式旋转（#1），然后一个仰燕式旋转（#2）接着是提刀旋转（#3）在这个乐段的最后一个节奏动机结束时旋转滑出。值得注意的是因为在那个赛季中的跳跃动作有所变化，所以旋转的姿势也一直都在调整，但我们正在分析的这个最初的动作编排（并不意外）是在合乐上最成功的。

如前所述，利用手臂突出单个音符和音乐重音是羽生结弦旋转的标志性特征。他的节目《晴明》中的第一个联合旋转就是一个很好的例子：

羽生在这个“甜甜圈“旋转中用手臂突出乐句结尾重音的动作让我尤为赞叹，虽然这个旋转姿势本身就与后面的乐句重合，有一种与和声结构并不协调的感觉，但这个手臂动作却创造出了一个视觉上的重音，从而弱化了这种不协调感。

《叙一》中最后一个联合旋转也是一个相似的例子，在旋转的开头有一点跟音乐不合，因为旋转的动作在音乐演奏到最后一个和弦之前就开始了：

但解决方法同样简单却优雅：第一个基本姿势的旋转中，羽生在关键的和声变化时握紧右拳。这就在视觉上强调了一个音乐重音，同时弥补了开头动作与音乐看起来不甚同步的缺憾。

最后一个例子来自宇野昌磨2016-17赛季节目《Loco》中的联合旋转：

这首歌的最后一个乐段无论节奏还是旋律都很不规则，如果按照音乐伴奏去协调动作会产生很大的问题。这样的旋转中最后的加速可能更为重要，通常都是伴随着最后的直立加速旋转。而这个2017年四大洲锦标赛的版本更为特别，让我们看到了Shoma如何运用手臂去强调几个重要的旋律重音。技术上来说，这可能不是《Loco》里这个旋转最好的动作完成（相比2016年大奖赛总决赛），但从音乐性上来看这个版本却优于其他。这个旋转为这套节目提供了一个惊艳的结尾，而这套节目又在Shoma的职业生涯中起到了至关重要的作用——并不仅仅在于排名和赢得的奖牌，而且更在于它理清了Shoma对音乐的处理和与音乐材料的协调方式。

上述分析的例子可能看起来只是整个节目无关宏旨的细节部分，但却让我们得以认识和欣赏对于旋转的编排所投入的大量努力和思考，以及选手跟随音乐去表现旋转所需要的训练和注意力，才能将动作与音乐进行同步。我想并不是所有这些努力都会得到裁判的认同和赏识，甚至即使得到赏识，相比高难度的跳跃，旋转也并不会为选手拿到多少加分。音乐性不会赢得比赛，但会赢得人心。我认为音乐性有助于达到更高的目标：创造出节目的连贯性，流畅度以及自然的节奏感从而使之脱颖而出，自始至终抓住观众的注意，留下比一个旋转或一个节目更为长久而难忘的印象。

几句闲话

这篇翻译拖了挺久，没想到完成已经是GPF结束之后。GPF看得我有些心情复杂，但并不是对成绩失望，只是有些心疼。就像Mikhail大大经常提到的，磨磨的目标是打动人心而不是挑战纪录。他自己的失落也是在于没能拿出训练时的水平，可能是压力也可能有鞋子的问题。翻译这篇文章，尤其是最后一段让我释然了很多。“音乐性不会赢得比赛，但会赢得人心”，想起最初被磨磨的节目吸引，并不是因为他的跳跃有多难分数有多高，而是因为每一个都在用心演绎音乐的动作所带来的美感。即使面对GPF上的失误，磨磨也没有放弃表演的决心，就算我自戴滤镜，除了失误整套动作的演绎依然是美的。当然他毕竟还是选手，他自己也希望能对得起刻苦训练的时间；目前的状态和心理对于专业运动员来说是必不可少的关卡和挑战，就像当初的3A，我相信他也会努力攻克的。Anyway，和磨磨一起加油吧~~