Listening to Music

第一部分 音乐的要素

第1章 聆听音乐

• “格里高利圣咏”
• 音乐记谱的产生和形成

古典音乐和流行音乐的区别：

• 古典音乐依赖于原声乐器（acoustic instruments），这些乐器发出的声音没有通过电子手段而加以改变，如小号、小提琴和钢琴；流行音乐经常使用电吉他和电贝司、电子合成器和计算机等。
• 古典音乐更依赖于事先准备好的琴谱，因此，音乐作品（如一部交响乐）从某种程度上说是一个固定了的实体；流行音乐更多地依赖于口头和听觉传播，每次演出时的乐谱均有所不同，的确，我们很少在流行音乐会上看到表演者在看谱子。
• 古典音乐主要是乐器音乐，虽然并不完全是这样，他是通过音乐语言和气氛表达含义；大部分流行音乐需要通过歌词或抒情诗来表现音乐的内涵。
• 古典音乐在时间上一般都比较长，并且包含多种意境，欣赏者必须长时间集中精力；大多数流行音乐在时间长度上相对比较短，平均只有三四分钟，每首作品从开始到结束仅表达一种基调。
• 在古典音乐中，节奏的“拍子”经常在音乐的表层以下休止；流行音乐却主要依赖于一种即可听得见的、反复出现的节拍。
• 古典音乐提供给欣赏者一个从日常世界中脱离出来，进入一个抽象的音响模式领域的机会；流行音乐却有一种更直接的影响，他的歌词经常包含着一些当代生活的问题。

为什么听古典音乐

• 古典音乐缓解了听众的压力并且帮助他们放松。
• 古典音乐有助于“集中思想”，帮助听众全神贯注。
• 古典音乐提供给我们一个更加美好的世界的幻想——美丽与尊严的避难所，我们将在其中超越物质存在的限度。
• 古典音乐提供了关于音乐、关于历史、关于人的学习的机会。

出席古典音乐会

• 正式的着装：套装或制服。
• 正襟危坐、避免不必要的交谈，只有在每首作品结束时才鼓掌表达内心的敬意。
• 做好功课，事先熟悉表演曲目。
• 选择好的座位：音乐厅的后部或第一层楼厅的前排

入门指南：三个音乐作品开头

音乐是随时间展开的艺术，其开始部分对作品成功与否十分重要。

• 路德维希·凡·贝多芬(Ludwig van Beethoven)，C小调第五交响曲(1808)——第一乐章

交响曲(symphony)是管弦乐队创作的音乐体裁或类型，它又被划分为许多小品，我们将其称之为乐章(movements)，每一乐章有自己的速度和情绪。一部典型的交响曲是四个乐章，它们各自的速度分别是快速、慢速、中速和快速。一部交响曲要由一支管弦乐队(orchestra)来演奏，这是许多原声乐器，如小提琴、小号、长笛组成的大合奏团。尽管管弦乐队可以演奏协奏曲、序曲和组曲，但历史上它演奏更多的是交响曲，故我们又将它称为交响乐队(symphony orchestra)。

简洁的开始节奏是典型的音乐动机（motive），这是一种短而清晰的依靠自身的能量发生作用的音型。

• 彼得·柴可夫斯基(Peter Tchaikovsky)，第一钢琴协奏曲(1875)——开始部分

协奏曲(concerto)是一件独奏乐器和（有时是对抗）整个乐队构成的音乐体裁。协奏曲既具有双方合作的性质，又具有竞赛之意。双方都有“你能做的，我将做得更好”的竞赛精神。

柴可夫斯基第一钢琴协奏曲创作于1875年，同年在美国波士顿而不是莫斯科由波士顿交响乐团举行了首演。

• 理查·施特劳斯(Rhchard Strauss)，《查拉图斯特拉如是说》(Sprach Zarathustra，1896)——开始部分

两位施特劳斯：

1. 约翰·施特劳斯——奥地利作曲家，圆舞曲之王
2. 理查·施特劳斯——德国作曲家，擅长歌剧创作

《查拉图斯特拉如是说》再现了德国哲学家尼采(Nietzsch, 1844-1900)的同名小说中的事件。尼采用著作中的这位英雄是古波斯预言家查拉图斯特拉，他预言一位更为先进的人——超人的到来。（德国浪漫主义哲学中的这一倾向，后来被阿道夫·希特勒曲解为对“优等种族”的崇尚。）

聆听练习1（答案）

1. b
2. b
3. a
4. c
5. b
6. a
7. a
8. b
9. a
10. c
11. a
12. b
13. b
14. b
15. b
16. c
17. b
18. b
19. a
20. a/b/c

Keyword

• 古典音乐（classical music）

• 流行音乐（popular music）

• 原声乐器（acoustic instruments）

• 返场（encore）

• 交响曲（symphony）

• 乐章（movements）

• 管弦乐（orchestra）

• 交响乐队（symphony orchestra）

• 动机（motive）

• 渐强（crescendo）

• 渐弱（diminuendo）

• 协奏曲（concerto）

• 和弦（chord）

• 旋律（melody）

• 拨弦（pizzicato）

• 音诗（tone poem）

• 交响诗（symphonic poem）

第2章 节奏

• 音乐（Music）被定义为有组织的通过时间来运动的声音。因此它包括时间（表现为节奏，这是本章讨论的内容）和音高（表现为旋律与和声，是第3、第4章的内容）的相互作用。节奏、旋律与和声是音乐的建筑材料，它们的组织形式将影响着每一部作品的色彩、结构、形式（第5章和第6章的主题），并最终影响到每部作品的内涵。

节奏和节奏的记谱

• 从最广泛的意义上说，节奏（Rhythm）是音乐中时间的组织。音乐的节奏是由拍子来支撑和区分的。拍子（beat）是将时间的过程划分为相等单元的均匀律动。
• 在音乐的拍子中，最经常出现的拍子单位叫做4分音符，它是音乐中的一个基本时值。4分音符的运动通常是与人的心跳频率大致相当，有时略快，有时略慢。
• 一个节拍（measure）或小节（bar）是许多拍子的组合，通常是每小节内有二拍、三拍、四拍，尽管在有些例子中，拍子可能更多。许多拍子有规律的组合便产生了节拍（meter）
• 音乐中的节拍是由一个拍号（meter signature）来表示的，拍号上方的数字表示每小节中有几拍；下方的数字则表示拍子的时值。
• 在所有的指挥形式中，手的下行运动表示着第一拍。因此，我们称第一拍为强拍（downbeat）。
• 增加音乐的变化和激情之一是使用切分音。在大部分音乐中，强音（accent，或称为重音）是落在强拍的最重的音上。而切分音（Syncopation）是将强音放在一个弱拍子上或拍子之间。切分音给音乐带来意外的跳跃或提升，它也是拉丁和爵士音乐中的一个突出特征。

速度

• 速度（Tempo）是指拍子行进的快慢。

由于速度标记首先是在意大利使用，所以它们大多数是用意大利文写成，以下是最常用的从慢到快的速度表示符：

• grave（庄严的）——非常缓慢
• largo（缓慢的）
• lento（慢速）——慢速
• adagio（慢速的）
• andente（行进的）——中速
• andantino（比行进稍快）
• moderato（中速）
• allegretto（中快速）——快速
• allegro（快速、快板）
• vivace（活泼的快速）——很快
• presto（非常快）
• prestissimo（最快）

聆听练习2（答案）

1. 3/4
2. 2/4
3. 2/4
4. 3/4
5. 2/4
6. 3/4
7. 3/4
8. 2/4
9. 3/4
10. 2/4

keyword

• 音乐（musci）
• 节奏（rhythm）
• 拍子（beat）
• 小节（bar）
• 节拍（measure/meter）
• 拍号（meter signature）
• 乐谱（score）
• 强拍（downbeat）
• 弱拍（upbeat）
• 弱起（pickup）
• 强音（accent）
• 切分音（syncopation）
• 速度（tempo）
• 减慢（retard）

第3章 旋律

• 旋律（melody）是一系列音高的排列所组成的一个有凝聚力和令人愉悦的音乐线条。按一般的说法它就是曲调。
• 一般来讲绝大多数美丽的旋律由四个因素构成：（1）一个稳定的调式中心；（2）向前运动；（3）一个目标或者高潮；（4）最终，有一种安定感。

音高

• 每只旋律都是由连续的音高所构成。音高（Pitch）是音响或高或低的相对位置。

八度

• “重复”的音高被称为一个八度（octave）。八度距离的音高发出的声音是类似的，因为较高音高振动的频率恰好是较低音高的两倍。在钢琴上产生中央C的琴弦振动是每秒256次，而它之上的八度音C的振动频率是每秒512次。男女一起演唱一个曲调时通常他们的音高相差一个八度。

记下曲调

• 五线谱（staff）上总是有一个谱号（clef）来指明旋律被演奏或演唱的音高的区域。
• 有种谱号叫做高音谱号（treble clef，𝄞），表示高音区，它适合像小号，小提琴等高音乐器和女声使用。第二种谱号被称为低音谱号（bass clef，𝄢），囊括了较低的音域，适合像大号、大提琴这样的低音乐器或者男声使用。
• 对于有着较宽音域的双手演奏的键盘乐器来说，两种谱号都要使用，一个放在另一个之上。演奏者看的这种谱号的结合，称为大谱表（great staff），把音符和手指下的琴键联系起来。两个谱号之间的空间填入了一条短的、临时的线，叫做加线，在键盘上表示中央C。
• 每一个音高都用一个字母名称以及大谱表上特别的线或间表示。我们通常仅仅用七个字母来命名（按上行的次序是：A、B、C、D、E、F、G），这是因为，正如我们已经看到的那样，旋律是由每一个八度内的七个音来构成的。当旋律扩展到一个八度以外时，这一系列字母名称被重复使用。
• 升号[sharp（♯）]意味着将原有的音符上升到挨着它的上方键，通常是一个黑键；
• 降号[flat（♭）]是降低这个音到下方相邻的琴键上，通常它也是个黑键；
• 还原号[natural（♮）]意思是取消先前的任何一个升降符号。

调性，调和音阶

• 旋律有一个中心音，称其为主音（tonic），旋律往往围绕着它进行，并且常常结束在主音上。
• 围绕这一中心音的音乐组织结构被称为调性（tonality）。
• 一个调（key）不仅表示一首作品建立起的调性中心，而且也表示它使用的音阶形式。
• 音阶（scale）是音高在一个八度内按照固定的形式上行或下行的排列。
• 几乎所有的西方音乐的旋律都是采用两种音阶中的一种写成的——一种大调，一种小调。大调音阶和小调音阶是建立在两种明显不同的全音、半音形式上的，每一种音阶都由主音开始。
• 大调音阶（major scale）全音、半音排列的过程是：1-1-1/2-1-1-1-1/2；
• 小调音阶（minor scale）全音、半音排列的过程是：1-1/2-1-1-1/2-1-1；
• 无论是大调音阶还是小调音阶都是使用一个八度内提供的12个音高中的七个，当达到一个八度后再开始。大调音阶和小调音阶可以在八度以内的12个音中的任何一个音上开始，因此就有了12个大调音阶和12个小调音阶和调。
• 在A大调上创作一首作品，需要写出许多甚好，就像在C小调上写作品需要写出许多升降号一样。为了省去这一工作，音乐家们发展了一种在五线谱开始处前置升号或降号的惯例，使得这些升号和降号在整部作品中都起作用。前置的这些升、降号被称为调号（Key signature）
• 通过调号，演奏者可以了解到一首作品创作的调性，表示作品使用的音阶和主音的音高。
• 转调（Modulation）是从一个调向另一个调的改变。转调使音乐有了一种力度的运动感。
• 音阶如同艺术家调色板上的颜色一样。一位作曲家为了取得作品所需要的音乐意境或情绪而对他们认为正确的音阶进行选择。大调旋律似乎是明亮。愉快和乐观的，而小调旋律听起来确实暗淡、悲观甚至是不详的。
• 从大调到小调的转变或从小调到大调的改变被称为调式（mode）。调式的改变会影响音乐的气氛。
• 除大、小调音阶外，第三种重要的音阶形式就是半音阶。半音阶（chromatic）需要使用全部12个音。半音阶（源于希腊词cbroma，意思是“色彩”）是表达该音阶的恰当词语，因为增加的五个音确实丰富了旋律的色彩。在半音阶中，所有12个音高的间距都是半音。

旋律的结构

我们对贝多芬的欢乐颂的旋律进行一些一般性的观察。

首先，旋律以级进（step）为主，即从音阶的一个音到相邻的另外一个音（如D到E），很少有跳进（leap），如D到F或D到G。

其次，整个旋律又四个乐句组成。音乐中的一个乐句（phrase）所起的作用就很像是句子中的一个从属的短语或从句：这里有四个四小节的乐句形成了一个完整的16小节的旋律。前后呼应的两个句子被称为前句（antecedent）和后句（consequent phrase）。一个终止式（cadence）是乐句的结束部分——把乐句引向结束的最后几个音。

最后，贝多芬《欢乐颂》的旋律结构——被安排的平衡的一组四小节乐句中，包括前句-后句—延伸句—结束——这在18、19世纪海顿、莫扎特、贝多芬的作品中是常见而典型的。前句-后句这种成对的乐句在19、20世纪的美国流行歌曲中也经常被使用。

听旋律和乐句

• 贝多芬的《欢乐颂》由四个对称的乐句构成，每一乐句的长度是四小节，这在西方音乐史的古典主义时期的音乐中是很典型的。对称的乐句结构在20世纪早期美国流行音乐的曲目中也是很典型的，像欧文•柏林创作的《天佑美国》、《白色的圣诞节》和《亚历山大的拉格泰姆乐队》都是这样。这些流行歌曲成为爵士音乐家们的“标准曲目”，其原因是它们经常被用作爵士乐即兴演奏的基础。这种标准曲目的固定乐句结构为即兴演奏的发挥提供了一个牢固的基础。
• “古典的”新奥尔良爵士乐。
• 20世纪最著名的爵士音乐家刘易斯•阿姆斯特朗（Louis Armstrong，1910-1971）
• 温顿•马萨里斯（Wynton Marsalis，1961-）

聆听练习3（答案）

1. c
2. c
3. a
4. b
5. c
6. a
7. c
8. a
9. a
10. b

聆听练习4（答案）

1. 大
2. 小
3. 小
4. 小
5. 大
6. 大
7. 大
8. 小
9. 大
10. 小

聆听练习5（答案）

1. 1:14
2. 1:30
3. 1:48
4. 1:56
5. 2:04
6. 2:21
7. 2:37
8. 2:46
9. 2:54
10. 3:10

聆听练习6（答案）

1. 16
2. 8
3. 8
4. 16
5. 16
6. 8
7. 8
8. 16
9. 16
10. 16

keyword

• 旋律（melody）
• 音高（pitch）
• 八度（octave）
• 五线谱（staff）
• 谱号（clef）
• 高音谱号（treble clef）
• 低音谱号（bass clef）
• 大谱表（great staff）
• 升号[sharp（♯）]
• 降号[flat（♭）]
• 还原号[natural（♮）]
• 主音(tonic)
• 调性(tonality)
• 调(key)
• 音阶(scale)
• 大调音阶(major scale)
• 小调音阶(minor scale)
• 半音阶（chromatic scale）
• 调号(key signature)
• 转调（modulation）
• 调式（mode）
• 级进（step）
• 跳进（leap）
• 乐句（phrase）
• 前句（antecedent）
• 后句（consequent phrase）
• 终止式（cadence）

文化语境：世界上的各种旋律

一首为西塔尔琴而作的印度旋律

• 穆斯林教徒——印度北部：印度斯坦风格的音乐（Hindustani-style music）
• 印度教教徒——印度南部：卡纳塔克风格的音乐（Karnatak-style music）
• 西塔尔（sitar）：20根琴弦
• 塔布拉鼓（tabla）：成对的定音的鼓。左鼓演奏任何低音；右手鼓有固定的音高，通常是主音或属音。
• 向西方音乐中的音阶那样，一个拉加（raga）就是一种基本的音高形态，表达一部作品的情绪。
• 印度古典音乐中一个音阶被分为六个音高。
• 拉维•香卡（Ravi Shankar）是印度著名的西塔尔演奏家，被称为“世界音乐的教父”，曾3度获得格莱美奖，是流行歌手诺拉•琼斯的父亲。他在20世纪60年代与甲壳虫乐队合作，为向地方介绍西塔尔琴的音响和印度古典音乐做了大量工作。
• 对一位印度古典音乐家来说，创作、即兴演奏和表演是同时发生的。

一首为二胡而作的中国旋律

• 阿炳（Abing）
• 二胡（erhu）
• 琵琶（pipa）
• 震音（tremolo）
• 五声音阶（pentatonic scale）——宫、商、角、徵、羽（G、A、B、D、E）

犹太人的克里兹莫音乐

• 克里兹莫音乐（Klezmer Music），采用七声音阶，但形式与西方的大、小调有所不同。
• 有一些用类似于西方古典音乐中小调写成的旋律却是用来表达欢乐的。说明了文化语境对于人类对音乐的情感反应的影响。

keyword

• 印度斯坦风格的音乐（Hindustani-style music）
• 卡纳塔克风格的音乐（Karnatak-style music）
• 西塔尔琴（sitar）
• 塔布拉鼓（tabla）
• 拉加（raga）
• 拉维•香卡（Ravi Shankar）
• 二胡（erhu）
• 阿炳（Abing）
• 琵琶（pipa）
• 震音（tremolo）
• 五声音阶（pentatonic scale）
• 克里兹莫音乐（Klezmer music）

第4章 和声

• 和声（harmony）被看做是为旋律提供支撑和丰富性的伴奏之声。

构建和声

• 和弦是和声的构建块。一个和弦（chord）就是指两个或更多的音高组合在同时鸣响。
• 在西方音乐中最基本的和弦是三和弦（triad），它由三个音高组成，并且是按一种很特定的方式排列。
• 音之间的距离叫做音程（interval），三和弦总是由两个三度音程并且被叠置起来。
• 那些建立在Ⅰ、Ⅳ、Ⅴ级音上建立起的三和弦，分别称为主和弦（main chord）、下属和弦（subdominant chord）和属和弦（dominant chord）。
• 下属和弦经常进行到属和弦，然后进行到主和弦，建立起 Ⅳ-Ⅴ-Ⅰ 的连续进行。和弦这样一种有目的的进行方式被称为和声进行（chord progression）。
• 一个单一的三和弦仅仅与音阶中这三个音是协调的。
• 一个三和弦中的音并不总是需要一起进入，它们可以在时间上先后出现。这样一种破碎的或断续的三和弦被称为琶音（arpeggio）。

协和和弦与不协和和弦

• 一般来说，像半音或全音这样的间距紧挨在一起的音产生的和弦声响是不协和的；反之，和弦的间距是三度或者更大所产生的音响是协和的。

聆听和声的变化

• 听和声的第一步是将你的注意力集中在低音上，使它与较高声部的旋律线条分开。
• 标准的布鲁斯和声仅仅有三个和弦——主、下属和属——遍布于12个小节中。然而。在这12小节布鲁斯（twelve-bar blues）的音型内部，和弦的时间长度并不相等。

聆听练习7（答案）

1. c
2. c
3. a
4. a
5. a
6. a
7. d
8. b
9. c
10. b

聆听练习8（答案）

1. 0:09
2. 0:12
3. 0:20
4. 0:34
5. 0:39
6. 0:44
7. 0:58
8. 1:02
9. 1:09
10. b

keyword

• 和声（harmony）
• 和旋（chord）
• 三和弦（triad）
• 音程（interval）
• 属和弦（dominant chord）
• 下属和弦（subdominant chord）
• 和声进行（chord progression）
• 琶音（arpeggio）
• 不和谐音（dissonance）
• 协和和弦（consonance）
• 布鲁斯（blues）
• 12小节布鲁斯（twelve-bar blues）

第5章 力度和色彩

力度

• 力度（dynamics）是音量的不同程度，包括强音和弱音，音响由此产生出来。

• 力度有时会由于要取得很特殊的效果而突然变化。这其中最为常见的快速力度变化是用一个音或和弦奏出的突然而响亮的**突强（sforzando）音响。
• 但是力度上的变化不必都是突然和意外的，他们可以是逐渐的，并扩展到很长的一段时间。一个声音强度的逐渐增长被称为渐强（crescendo），反之声音的逐渐递减被称为渐弱（decrescendo 或 diminuendo）。

色彩

• 简单的说，音乐中的色彩（color）就是由人声或乐器发出的任何声音的音质。而音色（Timbre）是同样含义的另一个术语。

人声

• 声音按照音区可分为四个主要的声部。两个女声的声部是女高音（soprano）和女中音（alto）；两个男声的声部是男高音（tenor）和男低音（bass）。当多种人声合为一体时就形成了合唱（chorus）。此外还有次女高音（mezzo-soprano）和男中音（baritone）
• 女高音 ——（次女高音）—— 女中音 —— 男高音 ——（男中音）—— 男低音

乐器

• 乐器是由组或家族组成的。西方传统交响乐队包括四个组：弦乐家族、木管家族、铜管家族、打击乐组。（键盘乐器）

小提琴组

• 小提琴（violin）
• 中提琴（viola）
• 大提琴（cello）
• 低音提琴（double bass）

特殊效果

• 揉弦（vibrato）
• 拨弦（pizzicato）
• 震音（tremolo）
• 颤音（trill）
• 弱音器（mute）

竖琴

• 竖琴（harp）
• 刮奏（glissando）

木管乐器

• 长笛（flute）
• 短笛（piccolo）
• 单簧管（clarinet）
• 低音单簧管（bass clarinet）
• 双簧管（oboe）—— 双簧管不仅是第一个加入到管弦乐队中的非弦乐器，也是很难调音的乐器，因此，双簧管固定不变地在每场交响音乐会开始前给出标准音高，供乐队对音。
• 英国管（English horn）
• 大管（bassoon）
• 低音大管（contrabassoon）—— 低音大管能演奏比其它任何管弦乐器都更低的音符。
• 萨克斯管（saxophone）
• 比起单簧管、萨克斯管这样的单簧乐器，双簧管、大管、低音大管、英国管这样的双簧乐器发出的声音更加明亮，更有异国情调。

铜管乐器

• 像木管和弦乐组那样，铜管家族也由四个主要乐器组成：小号、长号、法国号和大号。铜管演奏家不使用簧片吹奏，而是通过一个像茶杯形状的号嘴（mouthpiece）吹奏他们的乐器。
• 小号（trumpet）
• 长号（trombone）
• 法国号（French horn）有时称为“圆号”，是第一个加入管弦乐队的铜管乐器。
• 大号（tuba）

打击乐

• 定音鼓（timpani）
• 小军鼓（snare drum）
• 低音鼓（bass drum）
• 钹（cymbals）
• 木琴（xylophone）
• 钟琴（glockenspiel）
• 钢片琴（celesta）

交响乐队

• 在全部的音乐合奏形式中，现代西方交响乐无疑是最庞大和富有色彩的合奏形式，它起源于17世纪，最为齐全的交响乐队拥有超过一百名演奏员和近三十件不同的乐器。
• 独立的指挥最初并不是管弦乐队的一部分，在其存在的头二百年里（1600-1800），交响乐队被一名演奏者所指挥，他或者是键盘演奏家，或者是第一小提琴首席；然而到了贝多芬时代，乐队的规模增长到如此之大，以至于需要有人站在台前来指挥。他不仅保持乐队的整体一致，并且帮助拟定和解释重要的音乐线条。
• 指挥家遵循一份乐队总谱（orchestral score），这是一首特定作品的所有器乐声部复合记谱。指挥家的任务是追随着乐队总谱，并且在复杂的器乐音响网众挑出任何音高和节奏上的错误。

键盘乐器

• 也许由于键盘乐器高度复杂的机械装置，你很难在世界上的各种本土音乐文化中找到他们，键盘乐器是西方音乐独有的。
• 管风琴（pipe organ）是至今为止最古老的乐器，它的历史可以追溯到古希腊时代。
• 羽管键琴（harpsichord）早在1400年就开始出现在北意大利，到巴洛克时代（1600-1750）走向其巅峰。
• 公元1700年左右，钢琴（piano）在意大利被发明出来，它部分地克服了羽管钢琴的力度限制。经常

聆听练习9（答案）

1. 长笛
2. 大提琴
3. 单簧管
4. 低音提琴
5. 双簧管
6. 大管
7. 长号
8. 法国号
9. 小提琴
10. 大号

聆听练习10（答案）

1. 小号
2. 小号
3. 低音提琴
4. 单簧管
5. 单簧管
6. 大管
7. 单簧管
8. 长笛
9. 长笛
10. 长笛
11. 法国号
12. 长笛
13. 双簧管
14. 双簧管
15. 大提琴
16. 双簧管
17. 双簧管
18. 小提琴
19. 中提琴
20. 小提琴

聆听练习11（答案）

1. 大管
2. 长笛
3. 大号
4. 法国号
5. 小号
6. 长笛
7. 单簧管
8. 小号
9. 长号
10. 小提琴
11. 中提琴
12. 大提琴
13. 长笛
14. 大管
15. 长笛
16. 大管
17. 小号
18. 大号
19. 小提琴
20. 大提琴

keyword

• 力度（dynamics）
• 强（Forty）
• 弱（Piano）
• 突强（sforzando）
• 色彩（color）
• 音色（Timbre）
• 女高音（soprano）
• 女中音（alto）
• 男高音（tenor）
• 男低音（bass）
• 合唱（chorus）
• 次女高音（mezzo-soprano）
• 男中音（baritone）
• 小提琴（violin）
• 中提琴（viola）
• 大提琴（cello）
• 低音提琴（double bass）
• 揉弦（vibrato）
• 拨弦（pizzicato）
• 震音（tremolo）
• 颤音（trill）
• 弱音器（mute）
• 竖琴（harp）
• 刮奏（glissando）
• 长笛（flute）
• 短笛（piccolo）
• 单簧管（clarinet）
• 低音单簧管（bass clarinet）
• 双簧管（oboe）
• 英国管（English horn）
• 大管（bassoon）
• 低音大管（contrabassoon）
• 萨克斯管（saxophone）
• 号嘴（mouthpiece）
• 小号（trumpet）
• 长号（trombone）
• 法国号（French horn）
• 大号（tuba）
• 定音鼓（timpani）
• 小军鼓（snare drum）
• 低音鼓（bass drum）
• 钹（cymbals）
• 木琴（xylophone）
• 钟琴（glockenspiel）
• 钢片琴（celesta）
• 乐队总谱（orchestral score）
• 管风琴（pipe organ）
• 音栓（stop）
• 羽管键琴（harpsichord）
• 钢琴（piano）

第6章 音乐的织体和形式

• 音乐的织体是构成音乐作品的旋律线条的密度和配置。

单音织体、复调织体和主调织体

• 单音（monophony）是没有伴奏的音乐的单一线条。同度（unison）演唱也是单音的演唱。甚至男女声在一起演唱，产生八度的音高，音乐的织体也仍然是单音的。单音织体是所有音乐织体中最节俭的织体。
• 复调（polyphony）在音乐的结构中需要两个或更多的旋律线条。因此“复调音乐”也称“多声音乐”。
• 对位（counterpoint）就是两个或更多独立音乐线条的和谐的对立。由于对位是以复调为前提的，因此，“对位织体”和“复调织体”这两个术语经常互换使用。
• 对位有两种类型：自由对位和模仿对位。
• 如果模仿对位中跟随的声部完全准确地重复主要声部演奏或演唱的主题，便产生了一个卡农（canon）。
• 音乐史上最著名的一首卡农是德国作曲家约翰•帕赫贝尔于1690年创作的《D大调卡农》。
• 在主调（homophony）织体中，各个声部或旋律线条大约都在同时运动到新的音高。它们彼此相互依赖。
• 主调织体最常见的类型可以被称为曲调加伴奏。
• 作曲家并不仅仅被局限在这三种音乐织体中的一种——他们能够在一部作品中在三中织体之间进行转换。

曲式

• 曲式（Form）是对重要的音乐内容的有目的的排列。
• 为了创造曲式，作曲家需要运用以下四种手法中的任何一种：陈述、反复、对比和变奏。
• 在一个旋律最初陈述后，反复（repetition）通常在一首作品的内部显示出形式的路标，宣布每一次反复都回到了一个重要的音乐内容上。
• 对比（Contrast）使我们离开熟悉的东西，进入未知世界。
• 变奏（Variation）处在反复和对比的中间地位。
• 音乐家们发展处了一套简单的系统，用字母标记音乐段落，使曲式视觉化。第一个重要的乐思用字母A来表示，接下去的对比部分用字母B、C、D等表示。如果音乐段落以变化的形式反复，这个变化的部分就用右上角加数字的字母表示，如A^1和B2等。每一大的音乐段落的次级部分，用小写字母（a、b、c、d等表示）。

五种最受人喜爱的曲式

分节歌形式

• 在分节歌形式（strophic form）中，作曲家为第一段歌词谱曲，然后将这一旋律用到接下来的段落中。

主题和变奏

• 如果音乐的第一段（A）在每次的反复中都有些改变，那么便呈现出主题与变奏（theme and variations）的形式。

二部曲式

• 二部曲式（binary form）是由两个对比的部分 A 和 B 构成的。在长度和一般的外形上，A 和 B 的结构是为了平衡和互补。B段经常通过不同的情绪、调性或旋律引入变化。有时，二部曲式的 A 和 B 两个部分都立刻被准确地反复。音乐家用 𝄆 𝄇 来表示。如果反复符号是以 𝄆A𝄇 𝄆B𝄇 形式出现，它的演奏的结果是 AABB。

三部曲式

• 三部曲式（Ternary form）在音乐中甚至比二部曲式更常见。它由三部分构成。第二部分是对比性的，而第三部分是第一部分的反复——形成了 ABA 的结构形式。有时它也运用音乐的反复：首先是 A 段，然后是 B 段和 A 段一起（𝄆A𝄇 𝄆BA𝄇）

回旋曲式

• 回旋曲式（Rondo form）涉及到一个简单的原则：一个反复出现的音乐部分（叠句）与对比部分相交替。
• 例如： ABACA | ABACABA | ABACADA

当然，更复杂的曲式是存在的，它们导致了更长，更复杂的音乐作品。

奏鸣曲-快板和赋格的曲式便是其中最主要的；此外，还有一些自由的音乐形式，如幻想曲和前奏曲，它们给予作曲家自由的想象，没有严格的形式束缚。

聆听练习13（答案）

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• 主题与变奏
• 二部曲式
• 三部曲式
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第7章 音乐风格

第二部分 中世纪和文艺复兴，476-1600

第三部分 巴洛克时期，1600-1750

第四部分 古典主义时期，1750-1820

第五部分 浪漫主义，1820-1900

第六部分 现代和后现代，1880年至今

第七部分 美国流行音乐